AXA

Pierwotnie opublikowano na stronie 01 lipca 2014

W roku 2080, kilkadziesiąt lat po nuklearnym holokauście, ludzkość skryła się w mieście odizolowanym od reszty zniszczonego świata olbrzymią kopułą. Życie w tym mieście jest bezpieczne i wygodne dla jego mieszkańców. Jednak toczy się ono zgodnie z wieloma rygorystycznymi zasadami. Młoda dziewczyna Axa nie może dłużej znieść takiego życia. Buntuje się i w poszukiwaniu wolności postanawia wyzwolić się spod opiekuńczych rygorów i uciec z miasta. Jej pierwszym buntowniczym odruchem jest zrzucenie miejskiego ubrania i zastąpienie go skąpym bikini. Zrzucanie lub gubienie tego skromnego okrycia jest lejtmotywem komiksu. Axa bardzo często występuje toples lub całkowicie saute. Uzbrojona w miotacz i starodawny miecz, w towarzystwie zakochanego w niej mężczyzny (spotkany podczas pierwszej przygody barbarzyńca) oraz równie zakochanego robota MARKa przemierza ona zniszczony, ale powoli odradzający się Świat. Ruiny miast, częściowo zmutowana flora i fauna, siedliska społeczności cofniętych do barbarzyństwa, oazy wysoce zaawansowanej technologicznie ludzkości, mutanci a nawet UFO. Axa napotyka to wszystko na swojej drodze w poszukiwaniu przygody oraz odpowiedzi na pytanie o przyszłość ludzkości.

Przygody Axy były publikowane w postaci trzykadrowych pasków w brytyjskim dzienniku The Sun w latach 1978 – 1986. Scenarzystą był Donne Avenell a rysownikiem Enric Badia Romero. Publikacja tego komiksu w de facto rodzinnej gazecie nie powinna dziwić. Brytyjskie dzienniki znane są z dużej swobody w prezentowaniu „dorosłej” zawartości, czy to w stripach komiksowych, czy też wprost na zdjęciach (głównie w wydaniach weekendowych) przedstawiających młode, uśmiechnięte i nagie modelki (nigdy w pełnej frontalnej nagości).

W roku 1986 The Sun niespodziewanie przerwał publikację tej popularnej serii. Romero narysował jeszcze kilka nowych przygód Axy – dwa kolorowe zeszyty do scenariusza Chucka Dixona dla amerykańskiego Epic Comic oraz jedno długie, kolorowe opowiadanie dla hiszpańskiego magazynu Creepy (numery 52-59).

Wszystkie 2.238 pasków czarno-białego komiksu z The Sun zostało zebranych w dziewięć tomów opublikowanych w USA przez Ken Pierce, Inc. w ramach serii wydawniczej „1st American Edition Series”.

Poza USA, komiks był przedrukowywany w Brazylii, Włoszech i Szwecji.

Ego Sum

Pierwotnie opublikowano na stronie 13 maja 2014

Na komiks ten zwróciłem uwagę głównie ze względu na jego stronę graficzną. Po raz pierwszy oglądałem kadry namalowane przez włoskiego artystę Simone Bianchi. Podobają mi się wykonane ołówkiem i wykończone tuszem oraz farbami akrylowymi strony.

Bianchi jest również autorem scenariusza tego komiksu. Jest to historia s-f, kolejna z rodzaju opowieści o bohaterze budzącym się w ciemnym zaułku i stwierdzającym, iż nie wie kim jest i nie pamięta niczego sprzed swojego przebudzenia. Walcząc z amnezją, odnajduje on swoje ślady z przeszłości i podąża ich tropem poszukując swojej tożsamości oraz celu istnienia. Spotyka tych, którzy go znają, tych, którzy mu pomagają, tych, którzy się go boją oraz tych, którzy zdają się znać jego przeznaczenie, i którzy poddają go próbom i treningom mającym przygotować go do wypełnienia tego przeznaczenia. Prześladują go męczące wizje, w tym mężczyzny cierpiącego na krzyżu, co sugeruje religijny lub teologiczny podtekst opowieści. Wskazuje na to również to, że pierwszy tom rozpoczyna się modlitwą „Ojcze nasz”, a tom drugi się nią kończy. Opowieść „Ego Sum” ma zamknąć się w trzech albumach. Które wątki przeważą? Jaką misję ma do spełnienia bohater komiksu?

Do tej pory włoski wydawca Vittorio Pavesio Productions opublikował dwa tomy (kolejno w roku 2004 i 2005). W zeszłym roku w Londynie podczas LSCC miałem okazję rozmawiać z Simone Bianchi. Zapytałem go o kontynuację-zakończenie „Ego Sum”. Niestety, trzeci tom jest nadal w planach, które ze względu na inne zobowiązania artysty, głównie wobec amerykańskich wydawców (DC oraz Marvel), przesuwane są w czasie. Pozostaje mi cierpliwie czekać.

Cholly And Flytrap

Pierwotnie opublikowano na stronie  06 maja 2014

Ta dziwna para – zamaskowany, samotny żołnierz Cholly oraz nagi, korpulentny chińczyk Flytrap – pojawiła się w latach 80-tych na łamach Marvel’owskiego magazynu “Epic Illustrated” (numery 8, 10, 13, 14 i 34).

Dawno temu, na znajdującej się poza wszelkimi mapami planecie rozbiła się kosmiczna barka Exodus II. Przez wiele wieków jej rozbitkom udaje się żyć na niegościnnej dla nich planecie. Mnożą się i żyją tocząc nieustającą walkę o przetrwanie. Dzieje się tak nie tylko z powodu niegościnności planety, ale głównie, dlatego, że sami rozbitkowie uwielbiają prowadzenie wojen i kochają zabijać.

Cholly, Flytrap, liczna menażeria dziwnych postaci i stworów oraz apokaliptyczny świat, w którym toczą oni swoje potyczki są wytworem wyobraźni Arthura Suydama. Autor wplątuje swoich bohaterów w groteskowe sytuacje. Bawi się obrazem, chwilami pastiszując wizje Moebiusa przedstawione w jego Arzachu lub nawiązując do form graficznych charakterystycznych dla Vaughn Bode’a. Bawi się dialogami podkreślając w ten sposób surrealizm sytuacji. Humor i groteska mieszają się z brutalnymi scenami walki (w tym momencie przypomina mi się stara szkolna wyliczanka „ręka-noga-mózg-na-ścianie-kalesony-na-parkanie”). Wszystko to jest pięknie namalowane w stylu często opisywanym, jako połączenie undergroundu z malarstwem renesansowym.

W roku 1991 Epic Comics opublikował zbiór wszystkich, raczej niepowiązanych ze sobą fabularnie, epizodów, jakie pojawiły się w „Epic Illustrated”. Okraszone dziewięcioma stronami portfolio wydawnictwo nosi tytuł „The Original Adventures of Cholly and Flytrap”. Ci dwaj antybohaterowie gościli również na stronach „Heavy Metal”. W roku 2004 wydawnictwo Image Comics Inc. opublikowało cztero-zeszytową mini serię zatytułowaną „Center City”, którą później (w 2010) w jednym tomie wydała firma Radical Publishing. Ta ponad 150-stronicowa historia jest odmianą w stosunku do kilku- lub kilkunastostronicowych epizodów stanowiących odrębne i zamknięte gagi wykorzystujące postaci głównych bohaterów oraz plejadę mniej lub bardziej agresywnych dziwolągów zamieszkujących mało gościnną planetę.

Dzięki uprzejmości Arthura Suydama, jedna z przygód tej pary, chronologicznie następująca jakiś czas po wydarzeniach opisanych w miniserii „Center City”, została wydrukowana w numerach 13 i 14 naszego magazynu „Znakomiks”.

Ps. Dla dociekliwych – Co przypomina skała w pierwszym kadrze szóstego przykładu grafiki z wnętrza komiksu?

Starblazer – Space Fiction Adventure in Pictures

Pierwotnie opublikowano 28 kwietnia 2014

W roku 1979, szkockie wydawnictwo D.C.Thomson & Co. Ltd. rozpoczęło publikację serii kieszonkowych, czarno-białych komiksów S-F zatytułowaną „Starblazer – Space Fiction Adventure in Pictures”. Poza pierwszymi trzema numerami, które wydano w odstępach jednomiesięcznych, komiksy tej serii ukazywały się dwa razy w miesiącu. Pomimo słabej dystrybucji (zeszyty można było spotkać w większości kiosków w Szkocji i sporadycznie na pozostałych obszarach Wielkiej Brytanii) serię kontynuowano do 01 stycznia 1991 roku, kiedy to ukazał się jej ostatni, 281 numer. Mniej więcej w połowie okresu publikacji, seria zmieniła tytuł na „Starblazer – Fantasy Fiction in Pictures”. Było to związane z tym, że opowiadania fantasy lub space-fantasy zaczęły przeważać nad opowiadaniami science-fiction i space-opera.

Pomimo tego, że kilka postaci pojawiło się w więcej niż jednym opowiadaniu, każdy zeszyt stanowi zamkniętą historię. Dlatego zbieranie tej serii jest stosunkowo mało stresujące. Robię to głównie z sentymentu. Pierwsze pięć numerów „Starblazer” kupiłem podczas wakacji w roku 1979 hurtem w małym sklepiku z prasą i słodyczami w którejś z wiosek na północny-zachód od Glasgow. Starsza pani będąca właścicielką sklepiku, powiedziała puszczając do mnie oko „mężczyźni zawsze pozostają chłopcami marzącymi o przygodach”. Coś w tym jest. Teraz, gdy mam ku temu okazję, kupuję kolejne zeszyty przeglądając ich zawartość i wybierając te, których strona graficzna najbardziej odpowiada mi w danej chwili. Tak …, w tym wypadku kieruję się głównie rysunkami. Historie prezentowane na stronach „Starblazer” nie są wielką S-F lub fantasy. Ot, fajne czytadełka. Chociaż, znalazłem wśród nich kilka całkiem ciekawych nie tylko graficznie ale również scenariuszowo. A jest w czym wybierać. Z wydawcą tej serii współpracowała plejada brytyjskich (i nie tylko) scenarzystów oraz grafików, np.: Grant Morrison, Cam Kennedy, Walter Cyril Henry Reed, John Ridgway, Enrique Alcatea, Mike Chinn, Mike McMahon, Colin MacNeil, John Radford, John Smith, Jose Casanovas, Alan C.Hemus, Rafael Secura, Steve Holland, Alan Rogers, Mike Knowles, Keith Robson, Mikal R.Kayn, Tony O’Donnel i inni.

Wydawca serii przemycał przy okazji jej wydawania nieco informacji na temat kosmosu i jego eksploracji. Na drugiej, trzeciej i czwartej stronach okładki prezentowane były zdjęcia i teksty o technice kosmicznej, programach kosmicznych, astronautach, sputnikach, satelitach, planetach, itp.

Prime

Pierwotnie opublikowano 25 marca 2014

Ten wpis jest pokłosiem poprzedniego. Zdejmując z półki serię Miracle Man przypomniałem sobie o innych komiksach, w których głównymi bohaterami są nastolatkowie oraz ich dorosłe alter ega.

Mali chłopcy marzą o tym, że są superbohaterami. Niektórym z nich marzenia te spełniają się. Inni nie marzą a mimo to bywają obdarzeni zdolnością do przeistaczania się w dorosłych, a w tym także do przenoszenia się w czasie i przestrzeni.

Przykładem takiego chłopca jest trzynastoletni Kevin Green, który posiada zdolność przybierania postaci dorosłego superczłowieka Prime. Aby zmienić się w Prime’a, Kevin wydziela ze swojego torsu płynny materiał organiczy, który przybiera kształt ciała muskularnego mężczyzny. Kevin znajduje się wewnątrz tej postaci. Przy tym zachowuje on pamięć i myśli trzynastolatka co bywa powodem problemów, gdyż bohater często znajduje się w „dorosłych sytuacjach”, do rozwiązania których nie jest on wystarczająco dojrzały. Postać Prime jest kształtowana głównie przez podświadomość chłopca w oparciu o jego fascynacje bohaterami komiksów lub gwiazdami kina akcji. Dlatego, w różnych przygodach, Prime może wyglądać nieco inaczej oraz może posiadać zróżnicowane supermoce – praktycznie nieograniczoną siłę, wysoką odporność na fizyczne uszkodzenia ciała, zdolność latania z super predkością, itd. Aby powrócić do postaci trzynastolatka, Prime destabilizuje swoją zewnętrzną powłokę do formy proteinowej papki. Kevin musi wtedy szybko się z niej wydostać aby nie udusić się. Niestety nie byłem wytrwały na tyle, by dowiedzieć się w jaki sposób Kevin posiadł swoje zdolności.

Twórcami serii Prime, wydawanej przez Malibu Comics, są scenarzyści Gerard Jones i Len Strazewski oraz rysownik Norm Breyfogle.

Posiadam tylko jeden zeszyt serii, 1994 Annual, który kupiłem głównie ze względu na jego okładkę. Będąc kolekcjonerem albumów z malarstwem Borisa Vallejo oraz jego żony Julie Bell (pobrali się w roku 1994), nie mogłem ominąć takiej okazji. Obraz umieszczony na okładce namalował Valejo. Jego modelem był syn Julie, David.

Miracle Man

Pierwotnie opublikowano na stronie 22 marca 2014

Pierwszym komiksowym superbohaterem, którego przygody „czytałem” (pod koniec lat 60-tych angielski dopiero lizałem, niemieckie słowa znałem z filmów o wojnie, a o duńskim czy holenderskim wiedziałem, że istnieją takie języki) był Miracle Man wykreowany przez Micka Anglo.

Historia powstania tej serii jest nieco zakręcona. W roku 1958, specjalnie na rynek hiszpański Mick Anglo stworzył postać Super Hombre. Uważa się, iż tak naprawdę, były to na nowo narysowane przygody jego wcześniejszej kreacji Marvelmana. Chociaż, znalazłem również opinię, iż przygody Super Hombre nie były wprost przerysowanymi komiksami z Marvelmanem, ale w rzeczywistości zostały narysowane przez Emilio Giralt Ferrando do scenariuszy Juana Llarcha. W Hiszpanii wydano 68 zeszytów. Wkrótce, twórca postaci sprzedał nieco zmodyfikowane historie na rynek brytyjski. W latch 1965-1968, w Wielkiej Brytanii ukazało się (według mojej wiedzy) 13 numerów tej serii. Natomiast wydania niemieckie (Der Wunder Man), duńskie (Mirakelmanden) i holenderskie (Mirakel Man) liczyły po ponad dwadzieścia zeszytów i większość z nich była drukowana w Polsce.

W rzeczywistości niepozornej postury młody John Chapman pracujący jako pomocnik w biurze inspektora policji Stewarta, po dotknięciu tajemniczego dysku na swojej piersi przy jednoczesnym wypowiedzeniu słowa „sundisc” stawał się muskularnym super-człowiekiem (kuloodpornym, super silnym i super szybkim, potrafiącym latać, również w przestrzeni kosmicznej, posiadającym super słuch i super wzrok). W tej super postaci Miracle Mana walczył on z super łotrami, wrogo nastawionymi przybyszami z kosmosu oraz ze zwykłymi rzezimieszkami. Miracle Man miał również młodszego od siebie pomocnika, Supercoat’a, który super moce pozyskiwał w momencie założenia specjalnej marynarki.

Proponuję, aby odrzuciwszy całą wiedzę o wszelkich superbohaterach, na komiks ten spojrzeć oczami dziesięciolatka, który szczyci się posiadaniem pudełka z kilkudziesięcioma głównie obcojęzycznymi (bo polskich jeszcze wtedy nie było zbyt wiele) komiksami. Zdobywając pierwszy egzemplarz tej serii dziesięciolatek ten wykrzyknął „ale gites!”.

Hi no tori ( 火の鳥 )

Pierwotnie opublikowano na stronie 17 marca 2014

Osamu Tezuka manga no kami des (Osamu Tezuka jest bogiem mangi)– ponad dwadzieścia lat temu powiedziała Eriko, japońska koleżanka mojej żony, wręczjąc mi prezent w postaci pięknie wydanego pierwszego tomu sagi „Hi no Tori” (Ognisty ptak).

Był to pierwszy oryginalny komiks japoński jaki trafił do mojej kolekcji. Nie potrafię czytać po japońsku, więc Eriko dokonała dla mnie krótkiego streszczenia. „Ognisty ptak” jest jednym z najbardziej znanych dzieł Tezuki. On sam uważał je za dzieło swojego życia. Obejmuje ono dwanaście tomów, które powstawały od roku 1967 (tom pierwszy „Świt”) aż do śmierci artysty w roku 1989. Każdy z nich stanowi zamkniętą całość. Za każdym razem opowiadana jest zupełnie nowa historia nie mająca nic wspólnego z pozostałymi. Historie toczą się w różnych okresach historycznych, od początków naszej ery do dalekiej przyszłości. Jedyne co je łączy to Ognisty ptak Feniks oraz związana z nim wiara w reinkarnację. Dążenie do nieśmiertelności, którą może zapenić krew Feniksa, dla głównych bohaterów mangi okazuje się być albo nieosiągalna albo przekleństwem. Historia pierwszego tomu toczy się w latach 240-270 naszej ery, kiedy to królowa Himiko wraz ze swoją armią najeżdża Japonię jednocześnie poszukując Feniksa oraz wiecznej młodości, jaką może dzięki niemu uzyskać.

Pomimo tego, że rysunki Tezuki mogą kojarzyć się z wczesnymi animacjami Disney’a, oraz że w jego mandze pojawiają się elementy komiczne, nie jest to opowieść adresowana do dzieci. Autor przedstawia w niej wszystkie przymioty gatunku ludzkiego – przyjaźń, miłość, nienawiść, podłość a także okrucieństwo wojny i nieszczęścia powodowane przez żywioły.

Mój rocznik może pamiętać pokazywany w naszej TV radziecki film animowany „Konik Garbusek” (z roku 1947), w którym pojawia się ognisty ptak. Uderzyło mnie podobieństwo Feniksa narysowanego przez Tezukę do tamtej filmowej wersji. Teraz, dzięki „mojemu przyjacielowi Google’owi” wiem, że do stworzenia mangi „Hi no tori” Tezukę zainspirowała muzyka Igora Strawińskiego, oraz że obejrzał on radzieckiego „Konika Garbuska”, w którym duże wrażenie wywarła na nim postać Ognistego Ptaka.

Wszystkie tomy „Hi no tori” doczekały się tłumaczenia na wiele języków. Ja mam nadzieję na to, że doczekam się polskiego wydania tego dzieła.

Death Dealer

 Chęć zakupu serii „Death Dealer” rozbudziły u mnie nazwiska twórców.

Pierwszy z nich to Frank Frazetta. To on wymyślił postać Siewcy Śmierci (moje tłumaczenie angielskiego Death Dealer) i przedstawił go na kilku ze swoich obrazów. Ich reprodukcje zostały wykorzystane na okładki zeszytów serii.

Drugim jest Glenn Danzig, do czasu pojawienia się reklam serii komiksowej, znany mi jako wokalista i tekściarz metalowej grupy Danzig. Okazało się, że jest on również fanem komiksu. Założył własną firmę wydawniczą specjalizującą się w publikacji adresowanych do dorosłych komiksów, do których pasują dwa określenia: „pełne przemocy” i „erotyczne”. Od słów „violent” oraz „erotic” pochodzi nazwa firmy Verotic. To Danzig wpadł na pomysł stworzenia komiksu, którego bohaterem jest postać wymyślona przez Frazettę. On też sam napisał scenariusz.

Kolejni to, zaproszeni przez Danzinga do współpracy, Simon Bisley, Arthur Suydam oraz Liam Sharp, którzy znani są z rysowania heroicznych postaci w akcji.

Prosta fabuła o dokonaniu zemsty zamknięta została w czterech zeszytach. Jeden scenarzysta i trzech rysowników. Mało do czytania. Duuuuużo akcji. Na stronach komiksu znalazło się wszystko to, co fascynuje Danziga, czyli: klimat fantasy z odrobiną horroru; piękne (do czasu) czarownice; potężni wojowie, którzy mieczami i toporami sieką się nawzajem na bryzgające posoką i walające się po pobojowisku kawałki; erotyka przejawiająca się w nagości przedstawianych postaci.

Z wydanych w latach 1996-1997 czterech zeszytów, ten czwarty, narysowany przez Suydama, najbardziej oddaje ducha obrazów Frazetty. Myślę jednak, że głównym celem wydawcy nie było to, by grafiki wprost kojarzyły się z malarstwem Frazetty, ale raczej by były verotic.

Ada, Junior i Pirat

Pierwotnie opublikowano na stronie 29 stycznia 2014

Tego komiksu nie zdejmuję z półki, ale właśnie go na nią kładę. Ponieważ mam go w rękach i jestem świeżo po lekturze pomyślałem, iż mogę napisać o nim kilka słów.

W moich zainteresowaniach komiksem jestem bardzo eklektyczny. Dlatego staram się zapoznać z każdą dostępną publikacją pojawiającą się na polskim rynku. Szczególnie interesują mnie prace polskich twórców. Nie oznacza to tego, że każda z nich wyląduje w mojej kolekcji. To zakończyło się już kilka lat temu.

Jest tajemnicą poliszynela, że polski rynek komiksowy jest bardzo mały. Dlatego interesujące jest to, w jaki sposób zainteresowanie komiksem jest rozbudzane wśród czytelników. Szczególnie chodzi o tych najmłodszych, którzy w przyszłości mogą zasilić szeregi tak zwanych „komiksiarzy”, tj. osób czytających, zbierających, tworzących komiksy. Mając to na uwadze, w kioskach i „sieciówkach” prasowych przeglądam również półki z prasą adresowaną do najmłodszych czytelników.

Magazynem nie komiksowym od lat wykorzystującym komiks jest dwutygodnik „Kumpel”. Jego wydawca (Agencja Wydawnicza Aga Press) przedstawia go jako „pismo przeznaczone dla uczniów początkowych klas szkoły podstawowej”, które „realizuje cele kształcenia zintegrowango”, i które „poprzez zabawę tłumaczy zasady ortografii, gramatyki, matematyki”. Komiks stanowi jeden z głównych elementów tego magazynu.

Z wydawcą pisma współpracuje kilkoro grafików. Jednym z nich jest Hubert Ronek. Począwszy od roku 2008 regularnie dostarcza on odcinki serii „Ada, Junior i Pirat” rysowane do scenariusza Magdy Maciak. Pomimo tego, iż dostosował ją do potrzeb młodego odbiorcy oraz do profilu magazynu, jego charakterystycznej kreski trudno byłoby nie rozpoznać osobom znającym inne prace Huberta (w tym, nieskromnie przypomnę, pierwszy tom „Krainy Herzoga” wydany przez „Studio Domino” Sp. z o.o.).

Komiks porusza tematykę aktualną i bliską młodemu czytelnikowi (dom, rodzeństwo, szkoła, rówieśnicy, zwierzęta). Osoby tytułowych bohaterów oraz toczące się w tle ich życie rodzinne i szkolne łączą odcinki w serię. Jednak głównym zadaniem komiksu jest przekazywanie młodym czytelnikom treści wychowawczych, moralizatorskich i edukacyjnych. Oczekiwany przez wydawcę przekaz jest profesjonalnie realizowany przez autorów komiksu. Każdy z odcinków koncentruje się na innej sprawie, dlatego w ramach narzuconego sobie kronikarskiego obowiązku ograniczyłem się do zakupu kilku sporadycznych egzemplarzy magazynu.

W grudniu 2013, Hubert Ronek własnym sumptem wydał portfolio zbierające wszystkie, dotychczas opublikowane odcinki komiksu. Jest to pieczołowicie przygotowany, pięknie wydrukowany i oprawiony album. Muszę przyznać, że zebranie wszystkich odcinków powstałego komiksu w jeden 222-stronicowy wolumin było dobrym pomysłem. Dokumentuje on wykonanie dobrej, komiksowej pracy u podstaw.

Hm …
”samochwała w kącie stała
i wciąż tak opowiadała…”
… cieszy mnie to, że stałem się posiadaczem jednego z nielicznych (28 sztuk) egzemplarzy tej publikacji.

Ps.
Więcej na temat tego komiksu znajdziecie tutaj http://mundialman.blogspot.com/2014/01/24-x-224-hc.html

Illustrated Classics

Pierwotnie opublikowano na stronie 16 stycznia 2014

Przez pierwszy rok (około 1966) mojego świadomego zainteresowania tym medium i zbierania dostępnych publikacji, wobec przedmiotu mojej fascynacji stosowałem słowo będące w użyciu wśród nas ośmio- i dziewięciolatków. Wszyscy czytaliśmy i zbieraliśmy „klasikery”.

Słowo, które w tamtym czasie nie występowało w moich kolegów i moim słowniku, pojawiło się w nim za sprawą mojej starszej ode mnie o dwa lata kuzynki. Słowem tym było „komiks”.

A czym był „klasiker”? To słowo pojawiło się w Polsce w drugiej połowie lat 60-tych XX wieku. To wtedy wiele polskich drukarni rozpoczęło realizację zamówień składanych u nich przez wydawców komiksów z praktycznie całej Europy Zachodniej. Były to głównie komiksy zeszytowe stanowiące przede wszystkim przedruki komiksów z rynku amerykańskiego. Serią dominującą była „Classics Illustrated”. To zeszyty z tej serii w największych ilościach „wyciekały” z drukarń i trafiały do rąk miłośników opowieści rysunkowych. Dominowały wersje niemieckie (Illustrierte Klassiker), norweskie (Illustrerte Klassikere), szwedzkie (Illustrerade Klassiker), duńskie (Illustrerede Klassikere). Wszystkie miały jeden wspólny element okładki. Było nim słowo „klasycy” (lub, w zależności od języka, „klasyka”), które w tych wersjach językowych jest niemal identyczne i stanowi źródłosłów dla „klasikera”, który przez pewien czas funkcjonował w Polsce na równi z „komiksem”. Dla wielu, „klasiker” nadal stanowi synonim zachodniego komiksu drukowanego w polskich drukarniach w latach 60-tych i 70-tych.

Seria „Ilustrowana klasyka” została wykreowana w roku 1941 przez Alberta Lewisa Kantera dla Elliot Publishing Company, która w roku 1942 przeistoczyła się w Gilberton Publications Company. Na przestrzeni lat 1941-1971 zostało wydanych 169 zeszytów. Seria została wyeksportowana do wielu krajów. Przy czym, występują różnice pomiędzy wydaniami amerykańskimi a europejskimi. Różnice te dotyczą głównie kolejności publikacji poszczególnych zeszytów, ale również grafik pojawiających się na niektórych okładkach. Dodatkowo, np. w Wielkiej Brytanii i krajach skandynawskich, opublikowano tytuły, które nigdy nie ukazały się w USA.

Kanter uważał, że nowe medium jakim wtedy był komiks może z powodzeniem być wykorzystane dla propagowania literatury pięknej wśród młodych i niechętnych czytelników. W latach 60-tych i 70-tych, w Polsce sytuacja była inna niż w USA. W czasach gdy książka, pomimo nakładów wyższych od większości obecnych, była produktem deficytowym, dobra powieść była przedmiotem poszukiwań, również przez młodzież. Nie pamiętam, aby ktoś specjalnie musiał namawiać nas do czytania książek. No… chyba, że były to jakieś nudne (według nas) lektury szkolne. Oprócz polskich klasyków (np. Henryk Sienkiewicz, Józef Ignacy Kraszewski), zaczytywaliśmy się powieściami Juliusa Verne, Herberta George Wellsa, Roberta Louisa Stevensona, Marka Twaina, Waltera Scotta, Daniela Defoe, Jamesa Penimore Coopera, Jonathana Swifta, Rudyarda Kiplinga … Z lektur narzuconych programem szkolnym, zapoznaliśmy się z twórczością Harriet Beecher Stowe, Homera, Charlesa Dickensa, Williama Shakespeare’a, Victora Hugo, Miguela de Servantesa …. . Do tego należy dodać telewizję, w której raczej regularnie prezentowano filmy wyprodukowane na podstawie światowych klasyków literatury. W momencie, gdy zaczęły pojawiać się „klasikery”, większość z ich tytułów była bardzo dobrze znana polskim czytelnikom. Z tego powodu nikomu nie przeszkadzało to, że dymki zawierały teksty pisane w mało lub w całkowicie niezrozumiałych językach. My i tak bardzo dobrze wiedzieliśmy o co w nich chodzi. Mieliśmy w rękach graficzne uzupełnienie przeczytanych, lubianych i (często) posiadanych książek.

Jakość grafik i komiksowej narracji była w tej serii zróżnicowana. Wśród wielu poprawnych graficznie adaptacji znajdowały się również wydania mierne ale także perełki prezentujące nowatorskie w tamtym czasie podejście do rysunku. Charakterystyczne dla tej serii były malowane okładki. Często stanowiły one najważniejszy bodziec w momencie podejmowania decyzji „chcę to mieć”.

W pierwszej połowie XX wieku, większość wydawców komiksów nie zamieszczała w swoich publikacjach nazwisk ich twórców. Dopiero z późniejszych opracowań i tekstów możemy dowiedzieć się o tym, kto narysował dany komiks. Wśród, wtedy anonimowych, artystów współtworzących serię byli: Jack Abel, Stephen Addeo, Matt Baker, Dik Browne, Lou Cameron, Sid Check, L.B. Cole, Reed Crandall, George Evans, Denis Gifford, Graham Ingels, Henry C. Kiefer, Alex Blum, Everett Raymond Kinstler, Jack Kirby, Roy Krenkel, Gray Morrow, Joe Orlando, Norman Nodel, Rudolph Palais, Norman Saunders, John Severin, Joe Sinnott, Angelo Torres, Al Williamson and George Woodbridge.
Jest na tej liście kilka nazwisk, dla których warto pamiętać o tej serii.